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三十日晚上，在陳叔叔家搜括了這些ＣＤ（而我以電子書與他交流）：
戲曲
阮兆輝，《客途秋恨》，香港天聲唱片，1992
陳叔叔推薦，說這是《客途秋恨》最好的版本，我聽了，的確精彩。這裡特別把歌詞本也照下來──聽戲曲，如果還不熟，還是得看著唱詞，才能跟著聽進去。
白駒榮，《客途秋恨─白駒榮唱腔藝術精選》，中國唱片廣州公司，2003
紅線女，《昭君出塞─紅線女唱腔藝術精選》，中國唱片廣州公司，2003
文千歲，《南音集》，樂韻，1990
陳小漢，《陳小漢唱腔藝術精選》，1992
這幾位都是粵劇的名角，我以前都不認識，然而看看歌本的介紹，再聽過也就認識了。我接觸粵劇，始於1997年的電影《南海十三郎》，片中我深深被粵語與粵劇的韻律所震撼，決定有機會一定要去聽聽現場。現在，機會終於來了，而且不只唱片。
戲曲，還是要看過現場，以後看錄影或錄音才品得出味道啊。
中國京劇團，《紅燈記》（上下）（1968年錄音），雨果，1992
沒聽過，所以聽一聽。記得幾年前去大陸時有買《紅燈記》的ＶＣＤ，結果回家一直懶得拿出來看。輸入電腦後，一邊做別的事一邊聽，總算是聽過這樣板戲了。感想？我沒用心聽，也沒有被強迫反覆聽幾百次，目前是不敢談有什麼感想的，只至少，這齣有十幾億人聽過的東西，我也算聽過了。
演奏音樂
閔惠芬二胡，劉炬指揮，《天弦》，天弦唱片，2006
這也是陳叔叔推薦，一張把國樂和西樂理論結合得相當好的二胡協奏曲專輯。我極欣賞其中〈二泉映月〉一曲，閔的詮釋感情極豐富，又真能把握住分寸；協奏的配器也恰到好處，整個氣氛都烘托了出來，而且不失原味，不像有些什麼交響版的〈二泉映月〉，把原曲的意味全變濫了。爾後我會去收集這類音樂家的資料、理論與唱片。
我喜歡國樂，但很苦惱一件事，就是找不到什麼入門指引，不知道有什麼名家，不像古典樂，大家都知道那幾十個作曲家、那十幾位大指揮家。所以只能從自己的聽覺出發，慢慢找，慢慢問，同時在聽到給吹得天花亂墜的地雷盤、或是聽起來實在沒什麼的「名作」時，不要喪失信心。現在總算找到一張感覺和名聲都對的創新之作了！
中國人民解放軍軍樂團，《中國軍樂：進行曲二十首》，百利，1992
西崎崇子小提琴，艾斯坦鋼琴，名古屋愛樂樂團，費城管弦樂團，林克昌指揮，《黃河鋼琴協奏曲／梁祝小提琴協奏曲》，香港唱片，1983, 1986
歌曲
"The Very Best Of Peter, Paul and Mary", Starlight Music, 2003
有很多小時候爸媽常放的歌。
飛魚雲豹工作室，《生命之歌》，台北：魔岩，2000
台灣原住民歌曲。姜一涵《易經美學十二講》把人類的智慧分成「巫性智慧」「人文智慧」「神聖智慧」三種，原住民的歌曲，就保有著相當的「巫性」；在聽多文明世界的音樂後，聽一聽這些，很可以歸零、反思與參照。
原版名歌：《南泥灣》，香港：雨果，1990
原版名歌：《我的祖國》，香港：雨果，1990
中國大陸五十到八十年代的民歌，那種很標準地展現民族特色的錄音，除了靈魂以外，各方面應該都是一時之選。這種歌曲有一個無法彌補的弱點：你把原來在民間、在山水間躍動的精靈押到舞台或錄音室裡，以黨的美學標準再現，這就沒法不失真。它們在音樂上的表現還是不錯的，只是難以共鳴。怎麼說呢？他們念著人民群眾來唱人民群眾的歌，結果卻反而離開了人民群眾。作為音樂，這實在是美中的最大不足，它們比不上三四十年代上海的流行曲。
八隻眼四重唱，《紅蜻蜓》，雨林，2001
《雨林經典》，雨林／廣州音像出版社，2003
陳果，《印象》，雨林，2002
毛珂，《美麗的夏夜》，雨林，2004
「雨林唱片」聚集了一群受過正規學院音樂訓練的歌手與樂手，出了很多翻唱民歌、流行歌的唱片；他們的作品得到很多音響雜誌的好評，然而，流行歌曲的先天優勢是「當代性」，聲樂家的詮釋卻可能過度偏重於音樂上面，使得他聲音、技巧儘管好，聽者卻不能共鳴。這恐怕就是流行歌曲藝術化的一道天塹。
如，《雨林經典》第一首〈漁光曲〉，男女歌手聲音柔美，把它唱得像搖籃曲，可這分明是一首抒發漁民窮苦的歌，詞曲都是為這個意念寫的，而他們唱得那麼和諧，脈絡和味道就都不對了。他們的歌聲確實好，可就是感動不了也說服不了我，我也就不會想去反覆聽它。
還有許多用聲樂、美聲唱法來唱中國民謠的，如《南泥灣》裡一首鄒德華女士的〈漁光曲〉，她用聲樂唱，也放了很多控訴的情感──符合那個年代。然而，我聽著仍然不是味道。〈漁光曲〉能這麼渾厚嗎？我覺得它只有用傳統唱法，那種細細尖尖又會拉腔的嗓子唱才對味。
問題是，他們會聽不出這點嗎？還是因為太在乎音樂性，而忽略了「當代性」？可要這樣說來，又有那些歌手能成功地傳承、翻唱、再詮釋以前的歌曲？
鄧麗君可以，蔡琴在某些歌曲上也可以，Peter, Paul & Mary的〈Blowing in the Wind〉也很好。她們能把握歌曲的原味，也能加入自己的性質，可以忠於原作又不淪為奴隸；更重要的，她們有「氣場」，有舞台和廣大觀眾的加持。在與觀眾的互動中，她們完成自己的風格，也完成老歌的翻生。
這就提到了一個古老的命題：「你站在哪裡說話」（戴錦華師，文化研究第一講）──鄧麗君等能站在面對觀眾的歌手的立場，站得很穩很自然，她們唱歌，唱自己的情感，也唱這個情景、這個時代，她們不用思考什麼理論，自然就能「得位」，這是流行歌手的先天優勢。
而以「流行歌曲藝術化」為導向的歌手，他們的起始位置，卻是和原曲的初衷有些距離的；他們受過訓練的嗓子，也和一般大眾的聲腔有距離。這樣，他們沒有過去的當代性，也沒有現在的當代性，換句話說，兩端脫節，兩不靠，在我聽起來，就總覺有點虛浮，儘管他們的聲音與唱功甚至比原唱還厚實。
八隻眼男聲四重唱的〈掌聲響起來〉恐怕在這方面表現得最明顯。他們唱得很好，可我總覺得他們是在對著空無一人的觀眾席唱──這點完全沒辦法。雖然我看介紹，學院出身的他們也都是久經舞台的老唱將了，可那「氣質」就是比不上整個生命都和觀眾連在一起的鳳飛飛、羅文等流行歌手。然而，他們唱蘇聯民歌〈卡秋莎〉和蘇格蘭民歌〈綠袖子〉等就很好，其原因，我還想不出來。或者，是因為那種已經不需要「當代性」的民歌需要的是「積澱」，不像流行歌需要「時髦」，而這積澱正是他們的強項？
毛珂是女中音，翻唱中外民歌，唱〈莫斯科郊外的晚上〉很有韻味、很對味，不過我沒聽過這首歌的原版，還沒得比較。〈在銀色的月光下〉〈燕子〉也很有自己的味道，不是一味追求聲音與技巧之流，然而聽來聽去也還是有點說不上來的不對勁──如新疆民歌〈燕子〉，也許它原本就不是寫給漢語唱的，翻過來已第一重失真；歌手現在又轉成自己女中音的唱法，第二重──就讓人覺得她不適合唱這首歌，但或許歌曲本身的問題更多些。
陳果是唱腔甜美慵懶的女聲，而她這張專門翻唱許冠傑的俚俗粵語歌，倒很有些顛覆的趣味，可說是別開生面，也頗為可觀。然則，這些歌手比起原唱、比起流行歌手，還有什麼不足？──我想，問題可能在「認同」。歌手從聽眾上找認同，聽眾從歌手上找認同，流行歌曲是這麼在人們的生活裡流行的，他們互相培養、互相餵養，直到歌手把聽眾給他的加持，內化成他的氣場，於焉成角、成材。而在這個過程中，一個重要的媒介，就是富有當代性，能表達歌手情思與特性的原創歌曲。翻唱歌手，相對來說，就缺少了這些「人氣」，也就難以完好地再詮釋流行曲。
聲音好比兵，情思好比將。這群翻唱歌手，個個擁有強兵，但是他們的將，不論強不強，總好像缺少一種內秉的「名氣」以及與大環境的協調性。如果他們能克服這一點，流行歌曲藝術化、藝術歌曲流行化，或許才有搞大的可能。
然則，什麼是「民歌」？我沿用著這個概念，但也未及詳析它的定義與界說。這裡也不想多作分辨，只剛剛突發奇想，試把「民歌」「流行歌曲」「藝術歌曲」和姜一涵教授的智慧三角作一連結：
民歌─以巫性智慧為主
流行歌曲─以人文智慧為主
藝術歌曲─以神聖智慧為主
當然這連結很粗略，民歌也有人文、神聖意味很強，而巫性很弱的作品（視該民族的文化而定），其餘二者亦然，但感覺上，好像還真可以這麼連。民歌最要抓的核心意念是什麼？生命中一些很原始的東西。流行歌曲，人世裡各種現象；藝術歌曲（含古典樂），可以昇華至純粹的美。
兵家蔣百里有云：任何民族，生活條件與戰鬥條件相合者強，相離者弱，相反者亡。歌手唱歌，似亦可作如是觀，而翻唱歌手若一方面要顧原曲原意，一方面還要與當代現實接軌，似乎滿艱難的；如果刻意為之，說不定還會弄巧反拙。目前他們先專就自己的長處來演繹，也未嘗不是自然之道。
戲曲
阮兆輝，《客途秋恨》，香港天聲唱片，1992
陳叔叔推薦，說這是《客途秋恨》最好的版本，我聽了，的確精彩。這裡特別把歌詞本也照下來──聽戲曲，如果還不熟，還是得看著唱詞，才能跟著聽進去。
白駒榮，《客途秋恨─白駒榮唱腔藝術精選》，中國唱片廣州公司，2003
紅線女，《昭君出塞─紅線女唱腔藝術精選》，中國唱片廣州公司，2003
文千歲，《南音集》，樂韻，1990
陳小漢，《陳小漢唱腔藝術精選》，1992
這幾位都是粵劇的名角，我以前都不認識，然而看看歌本的介紹，再聽過也就認識了。我接觸粵劇，始於1997年的電影《南海十三郎》，片中我深深被粵語與粵劇的韻律所震撼，決定有機會一定要去聽聽現場。現在，機會終於來了，而且不只唱片。
戲曲，還是要看過現場，以後看錄影或錄音才品得出味道啊。
中國京劇團，《紅燈記》（上下）（1968年錄音），雨果，1992
沒聽過，所以聽一聽。記得幾年前去大陸時有買《紅燈記》的ＶＣＤ，結果回家一直懶得拿出來看。輸入電腦後，一邊做別的事一邊聽，總算是聽過這樣板戲了。感想？我沒用心聽，也沒有被強迫反覆聽幾百次，目前是不敢談有什麼感想的，只至少，這齣有十幾億人聽過的東西，我也算聽過了。
演奏音樂
閔惠芬二胡，劉炬指揮，《天弦》，天弦唱片，2006
這也是陳叔叔推薦，一張把國樂和西樂理論結合得相當好的二胡協奏曲專輯。我極欣賞其中〈二泉映月〉一曲，閔的詮釋感情極豐富，又真能把握住分寸；協奏的配器也恰到好處，整個氣氛都烘托了出來，而且不失原味，不像有些什麼交響版的〈二泉映月〉，把原曲的意味全變濫了。爾後我會去收集這類音樂家的資料、理論與唱片。
我喜歡國樂，但很苦惱一件事，就是找不到什麼入門指引，不知道有什麼名家，不像古典樂，大家都知道那幾十個作曲家、那十幾位大指揮家。所以只能從自己的聽覺出發，慢慢找，慢慢問，同時在聽到給吹得天花亂墜的地雷盤、或是聽起來實在沒什麼的「名作」時，不要喪失信心。現在總算找到一張感覺和名聲都對的創新之作了！
中國人民解放軍軍樂團，《中國軍樂：進行曲二十首》，百利，1992
西崎崇子小提琴，艾斯坦鋼琴，名古屋愛樂樂團，費城管弦樂團，林克昌指揮，《黃河鋼琴協奏曲／梁祝小提琴協奏曲》，香港唱片，1983, 1986
歌曲
"The Very Best Of Peter, Paul and Mary", Starlight Music, 2003
有很多小時候爸媽常放的歌。
飛魚雲豹工作室，《生命之歌》，台北：魔岩，2000
台灣原住民歌曲。姜一涵《易經美學十二講》把人類的智慧分成「巫性智慧」「人文智慧」「神聖智慧」三種，原住民的歌曲，就保有著相當的「巫性」；在聽多文明世界的音樂後，聽一聽這些，很可以歸零、反思與參照。
原版名歌：《南泥灣》，香港：雨果，1990
原版名歌：《我的祖國》，香港：雨果，1990
中國大陸五十到八十年代的民歌，那種很標準地展現民族特色的錄音，除了靈魂以外，各方面應該都是一時之選。這種歌曲有一個無法彌補的弱點：你把原來在民間、在山水間躍動的精靈押到舞台或錄音室裡，以黨的美學標準再現，這就沒法不失真。它們在音樂上的表現還是不錯的，只是難以共鳴。怎麼說呢？他們念著人民群眾來唱人民群眾的歌，結果卻反而離開了人民群眾。作為音樂，這實在是美中的最大不足，它們比不上三四十年代上海的流行曲。
八隻眼四重唱，《紅蜻蜓》，雨林，2001
《雨林經典》，雨林／廣州音像出版社，2003
陳果，《印象》，雨林，2002
毛珂，《美麗的夏夜》，雨林，2004
「雨林唱片」聚集了一群受過正規學院音樂訓練的歌手與樂手，出了很多翻唱民歌、流行歌的唱片；他們的作品得到很多音響雜誌的好評，然而，流行歌曲的先天優勢是「當代性」，聲樂家的詮釋卻可能過度偏重於音樂上面，使得他聲音、技巧儘管好，聽者卻不能共鳴。這恐怕就是流行歌曲藝術化的一道天塹。
如，《雨林經典》第一首〈漁光曲〉，男女歌手聲音柔美，把它唱得像搖籃曲，可這分明是一首抒發漁民窮苦的歌，詞曲都是為這個意念寫的，而他們唱得那麼和諧，脈絡和味道就都不對了。他們的歌聲確實好，可就是感動不了也說服不了我，我也就不會想去反覆聽它。
還有許多用聲樂、美聲唱法來唱中國民謠的，如《南泥灣》裡一首鄒德華女士的〈漁光曲〉，她用聲樂唱，也放了很多控訴的情感──符合那個年代。然而，我聽著仍然不是味道。〈漁光曲〉能這麼渾厚嗎？我覺得它只有用傳統唱法，那種細細尖尖又會拉腔的嗓子唱才對味。
問題是，他們會聽不出這點嗎？還是因為太在乎音樂性，而忽略了「當代性」？可要這樣說來，又有那些歌手能成功地傳承、翻唱、再詮釋以前的歌曲？
鄧麗君可以，蔡琴在某些歌曲上也可以，Peter, Paul & Mary的〈Blowing in the Wind〉也很好。她們能把握歌曲的原味，也能加入自己的性質，可以忠於原作又不淪為奴隸；更重要的，她們有「氣場」，有舞台和廣大觀眾的加持。在與觀眾的互動中，她們完成自己的風格，也完成老歌的翻生。
這就提到了一個古老的命題：「你站在哪裡說話」（戴錦華師，文化研究第一講）──鄧麗君等能站在面對觀眾的歌手的立場，站得很穩很自然，她們唱歌，唱自己的情感，也唱這個情景、這個時代，她們不用思考什麼理論，自然就能「得位」，這是流行歌手的先天優勢。
而以「流行歌曲藝術化」為導向的歌手，他們的起始位置，卻是和原曲的初衷有些距離的；他們受過訓練的嗓子，也和一般大眾的聲腔有距離。這樣，他們沒有過去的當代性，也沒有現在的當代性，換句話說，兩端脫節，兩不靠，在我聽起來，就總覺有點虛浮，儘管他們的聲音與唱功甚至比原唱還厚實。
八隻眼男聲四重唱的〈掌聲響起來〉恐怕在這方面表現得最明顯。他們唱得很好，可我總覺得他們是在對著空無一人的觀眾席唱──這點完全沒辦法。雖然我看介紹，學院出身的他們也都是久經舞台的老唱將了，可那「氣質」就是比不上整個生命都和觀眾連在一起的鳳飛飛、羅文等流行歌手。然而，他們唱蘇聯民歌〈卡秋莎〉和蘇格蘭民歌〈綠袖子〉等就很好，其原因，我還想不出來。或者，是因為那種已經不需要「當代性」的民歌需要的是「積澱」，不像流行歌需要「時髦」，而這積澱正是他們的強項？
毛珂是女中音，翻唱中外民歌，唱〈莫斯科郊外的晚上〉很有韻味、很對味，不過我沒聽過這首歌的原版，還沒得比較。〈在銀色的月光下〉〈燕子〉也很有自己的味道，不是一味追求聲音與技巧之流，然而聽來聽去也還是有點說不上來的不對勁──如新疆民歌〈燕子〉，也許它原本就不是寫給漢語唱的，翻過來已第一重失真；歌手現在又轉成自己女中音的唱法，第二重──就讓人覺得她不適合唱這首歌，但或許歌曲本身的問題更多些。
陳果是唱腔甜美慵懶的女聲，而她這張專門翻唱許冠傑的俚俗粵語歌，倒很有些顛覆的趣味，可說是別開生面，也頗為可觀。然則，這些歌手比起原唱、比起流行歌手，還有什麼不足？──我想，問題可能在「認同」。歌手從聽眾上找認同，聽眾從歌手上找認同，流行歌曲是這麼在人們的生活裡流行的，他們互相培養、互相餵養，直到歌手把聽眾給他的加持，內化成他的氣場，於焉成角、成材。而在這個過程中，一個重要的媒介，就是富有當代性，能表達歌手情思與特性的原創歌曲。翻唱歌手，相對來說，就缺少了這些「人氣」，也就難以完好地再詮釋流行曲。
聲音好比兵，情思好比將。這群翻唱歌手，個個擁有強兵，但是他們的將，不論強不強，總好像缺少一種內秉的「名氣」以及與大環境的協調性。如果他們能克服這一點，流行歌曲藝術化、藝術歌曲流行化，或許才有搞大的可能。
然則，什麼是「民歌」？我沿用著這個概念，但也未及詳析它的定義與界說。這裡也不想多作分辨，只剛剛突發奇想，試把「民歌」「流行歌曲」「藝術歌曲」和姜一涵教授的智慧三角作一連結：
民歌─以巫性智慧為主
流行歌曲─以人文智慧為主
藝術歌曲─以神聖智慧為主
當然這連結很粗略，民歌也有人文、神聖意味很強，而巫性很弱的作品（視該民族的文化而定），其餘二者亦然，但感覺上，好像還真可以這麼連。民歌最要抓的核心意念是什麼？生命中一些很原始的東西。流行歌曲，人世裡各種現象；藝術歌曲（含古典樂），可以昇華至純粹的美。
兵家蔣百里有云：任何民族，生活條件與戰鬥條件相合者強，相離者弱，相反者亡。歌手唱歌，似亦可作如是觀，而翻唱歌手若一方面要顧原曲原意，一方面還要與當代現實接軌，似乎滿艱難的；如果刻意為之，說不定還會弄巧反拙。目前他們先專就自己的長處來演繹，也未嘗不是自然之道。
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